El pasado alimenta el futuro: Historia de un género

Sintetizador, uno de los instrumentos más importantes en la electrónica a pesar de su edad. El pasado alimenta el futuro

El pasado alimenta el futuro

Historia de un género

Autores:  Santiago Gordon y Andrés Hernández

abril 24, 2021

Sintetizador, uno de los instrumentos más importantes en la electrónica a pesar de su edad. El pasado alimenta el futuro

Sintetizador Minimoog (1970) del pionero inventor Robert Moog. Foto de glacial23, via Wikimedia Commons

El pasado alimenta el futuro

Para amenizar este capítulo escuche:

Electronic Sonata For Souls Loved By Nature //: George Russell

La música electrónica es negra por naturaleza. Si nos remontamos a las dos últimas décadas del jazz ecléctico, podremos encontrar un océano de sonido vasto y profundo donde entenderemos que la música electrónica ha trascendido fronteras sónicas y ha influenciado toda la industria musical desde antes de tener un nombre en la gama de géneros musicales. Esa fusión de los sesenta, setenta, el neoclasicismo de los ochenta e incluso la fusión jazz de los 90 dieron paso a un embrión mucho más grande que permitió estar donde estamos.

Desde Sun Ra hasta a Alice Coltrane, se tejió una ficción sonora ambiciosa y audaz que sirvió de inspiración para varios oyentes como nosotros.

Sun Ra. El pasado alimenta el futuro

Sun Ra. Foto de Pandelis karayorgis at English Wikipedia, via Wikimedia Commons

Un nacimiento inesperado

Al hablar sobre la vida de un género tan grande se hace casi imposible abarcar cada desvío, invento o revolución en los límites del proyecto. Tenemos que comenzar de manera obligatoria exponiendo nuestro concepto de música electrónica.

Y si consideramos que abarca cualquier producción que contenga el uso de instrumentos electrónicos, la gran mayoría de música contemporánea entraría en esta categoría. Cada canción en que se haya utilizado un sonido en particular, sin importar que tan pequeña su función, tendría que ser tomada en cuenta. Lo que podría llevarnos a fechas tan lejanas como 1876, año de la invención del Telégrafo Musical por Elisha Gray. Más lejos aún, la creación del teclado Golden Dionysus por el pionero Václav Prokop Diviš en 1748.

Por ello, con el objetivo de delimitar el rango de esta tarea, su enfoque y el punto de partida, definiremos como música electrónica aquellas producciones en las que los sonidos electrónicos, análogos o digitales son primordiales en la concepción de la pista. Así, podemos empezar a hablar de la electrónica como género en un periodo de tiempo específico. Donde lo antes descrito comienza a verse reflejado de manera significativa. La década de 1970.

Múltiples artistas, la banda de rock Pink Floyd y el jazzista Herbie Hancock, entre otros, empezaron a explorar y experimentar con nuevos sonidos que eran obtenidos gracias al uso de sintetizadores y osciladores. Ello les permitió revolucionar su propio sonido y abrir los horizontes de lo que era considerado permitido en sus propios géneros. Otros artistas utilizaron esta oportunidad para darle una nueva dirección a la producción musical, enfocada en la creación de nuevos sonidos.

Kraftwerk, Vangelis, Jean – Michel Jarre, Goblin, Tangerine Dream, Brian Eno, Giorgio Moroder, etc. Una nueva ola de músicos que se convertirían en los cimientos de un género mutante, inestable y volátil. Dominando bandas sonoras, clubes y discotecas alrededor del mundo entero.

Brian Eno. El pasado alimenta el futuro

Brian Eno. Foto de AVRO, via Wikimedia Commons

Sky Saw //: Brian Eno

synthpopnew waveitalo discoeurobeat. Ya en la década de 1980 veríamos la maduración de la electrónica con una explosión de nuevos géneros, más sofisticados, gracias a los avances tecnológicos de la época como el MIDI (interfaz digital de instrumentos musicales). Este revolucionaría la forma en la que los instrumentos e interfaces digitales se comunican entre sí.

Pero sofisticado no es lo mismo que complicado. Estos avances permitieron que la electrónica se convirtiera en uno de los géneros musicales más accesibles a la hora de producir. Una tendencia que se mantendrá hasta la actualidad. Lo único necesario, además de la experiencia musical, es un computador.

Así inició un dominio que, por lo menos durante los 80s, no parecía tener competidor. Fuese en la radio del carro, en MTV o en el festival más grande del año, la electrónica dominaba la escena mainstream.

New Order. El pasado alimenta el futuro

New Order. Izquierda a Derecha: Stephen Morris, Peter Hook, Gillian Gilbert, Bernard Sumners. Foto de Kevin Cummins

Blue Monday //: New Order

 

Artistas y bandas como Kim Wide, Depeche Mode, New Order y Dead or Alive dominarían los listados musicales de la primera mitad de la década gracias a hits como Kids In America (1981), Just Can’t Get Enough (1981), Blue Monday (1983) y You Spin Me Round (1984), respectivamente. Mientras que grupos como A-ha, Erasure, Pet Shop Boys e Information Society se sumarían a las listas de éxitos en la segunda mitad de los 80s, con singles como Take On Me (1985), Sometimes (1986), It’s a Sin (1987), What’s On Your Mind (1988), entre otros.

Take On Me de A-ha. Video de Warner Bros

La ciencia del breakbeat y la cultura rave

Para amenizar este capítulo escuche: 

 

 

La tierra estaba húmeda, el sol pegaba directamente y el viento sacudía con una leve fuerza. El ambiente perfecto para que la semilla de los antiguos maestros del jazz germinara en las juventudes revolucionarias de los ochentas y empezarán a imponer sus quiebres (breaks) en el mapa sonoro de la escena musical, que ya empezaba a tener en su radar a los sonidos electrónicos.

Tanto así que empezaron a surgir revoluciones internas en lo que se consideraba música electrónica. La cual era conocida por tener su clásica fórmula de 4 golpes de bombo (kicks) en 4 tiempos, o como se le conoce normalmente un 4×4.

De eso se tratan los breaks, de quebrar el ritmo que se tenía establecido para llevar al oyente a una nueva realidad sónica donde las variaciones, el sampleo y las voces del futurismo afro diaspóricas del nuevo hip hop se fusionan en un flujo continuo que ha marcado la revolución en la música y ha retomado fuerza en la actualidad.

“El sampling ofrece una manera de colapsar todas las músicas negras en un chip”. Greg Gate.

UR. El pasado alimenta el futuro

Underground Resistance. Foto de Photophunk

The Seawolf //: Underground Resistance

El appeal mainstream de la electrónica sufriría de una caída en popularidad a finales de los 80s e inicios de los 90s. Ello gracias a la incursión de actos como Nirvana, Sonic Youth y Radiohead, por nombrar a algunos. Pero volvería a dominar la escena, de una forma diferente, durante lo que para muchos es la década de la experimentación del género.

El Techno saldría de su hogar en Detroit y Chicago para incursionar en el viejo continente. Nuevos artistas y teorías musicales empezaron a surgir por este choque cultural, causando una revolución, veloz y explosiva, que tomó las pistas de baile como suyas. Eurodance, acid house, jungle, drum’ n’ bass, trance, breakbeat. Alan Ford, Black Box, The Shamen, Paul Van Dyk, Robert Miles, Underworld y Orbital. Géneros y artistas que sonarían en nacientes clubes de América, Europa y Asia, inmortalizarían una época de excesos sonoros en el colectivo social.

Berghain en Alemania. The Haçienda y Ministry of Sound en Inglaterra. Amnesia y Space en España. Zouk en Singapur. Motor y Tunnel en Estados Unidos. Los clubes le pertenecía una vez más a la electrónica.

Berghain. El pasado alimenta el futuro

Berghain Club. Foto de Marcheur1976, via Wikimedia Commons

Pero no paró ahí. Surgirían nuevos géneros, más enfocados a experiencias personales, ideales para el melómano, el coleccionista, el purista. El idm (intelligent dance music), trip hopnew synthpopglitch pop, aportaron ideas complejas que impulsaron una de las épocas creativas más impresionantes en la historia musical.

Aphex Twin, Autechre, Sweet Trip, Dj Shadow, Massive Attack, Portishead, Daft Punk, Björk, Fatboy Slim, Moby. Artistas que trajeron consigo sonidos destinados a convertirse en la inspiración del nuevo siglo. Los artistas favoritos de tus artistas favoritos.

Björk. El pasado alimenta el futuro

Björk. Foto de Zach Klein from New York, New York, USA, via Wikimedia Commons

Hyper-ballad //: Björk

Un nuevo milenio, mil nuevas identidades

Con tantos estilos diferentes, con tantos actos diferentes, con tantas canciones y álbumes. ¿Qué nuevo se podía crear? La respuesta que hallaron los creativos del nuevo milenio fue simple.

Cada vez era más difícil hacer música puramente original, claro, pero era la época perfecta para revisar el pasado. Tal vez, no era necesario crear nueva música, sino reinterpretar la que ya existe.

LCD Soundsystem con su dance punk. Justice con el electro rock. Deadmau5 y el progressive house. Skream y Burial con el dubstep (evolución sonora de géneros como el drum’ n’ bass y el breakbeat). Hot Chip y Daft Punk continuando el legado del synth pop.

Justice. El pasado alimenta el futuro

Justice. De izquierda a derecha: Gaspard Augé y Xavier de Rosnay. Foto de Bertrand from Paris, France, via Wikimedia Commons

D.A.N.C.E //: Justice

Algunos de estos movimientos fueron más populares que otros. Unos fueron nichos perfectos para los melómanos incomprendidos. Actos alternativos de gran valor y proyectos locales muy propios de su lugar de origen.

Pero en la segunda mitad de los 2000s aparecería el fenómeno que, por lo menos hasta hoy, ha sido el zenit de la música electrónica comercial, el edm (electro dance music).

No es un género como tal sino una forma de describir un conjunto de ellos que se apoderaron de los festivales y carnavales musicales del mundo. Este resurgimiento en popularidad se lo podemos atribuir a varios artistas que, con grandes producciones que incluyeron artistas pop de talla mundial, fijando los oídos del mundo en ellos. Calvin Harris, David Guetta, Zedd, Martin Garrix, Hardwell, etc.

Si tuvieramos que atribuirle un género principal, definitivamente sería el progressive house. Con artistas, además de los ya mencionados, como Avicii, Swedish House Mafia y Alesso. Pero no era una regla, ya que Skrillex hizo del dubstep un fenómeno comercial tan grande que era imposible no catalogarlo como edm.

Este fenómeno solo seguiría creciendo durante la primera mitad del 2010, antes de, como otras tendencias, caer en popularidad. Nuevos artistas continuarían gestándose y no nos sorprendería que pronto la electrónica volviese a estar en la cima.

Armin van Buuren en el Ultra Music Festival. Foto de Rutger Geerling – http://rudgr.com/, via Wikimedia Commons

Armin van Buuren //: In and Out of Love

Ecos en el valle. Surcos en las montañas

Ya tenemos suficiente historia extranjera de exploraciones y rebeldías que han marcado un horizonte claro para el surgimiento y llegada de la música electrónica, entre verdes montañas, a nuestro amado Valle de Aburrá.

Siempre hemos creído que la música habla por sí sola y que las palabras rebuscadas opacan su intención transformadora. Sin embargo, es necesario dar visibilidad a las historias perdidas que nadie ha contado y que la gente no sabe que existen.

Rastrear el origen del sonido en el vasto océano de ficción sónica que habita en una cultura que ha sufrido de un mestizaje tan agresivo como la antioqueña es un reto. 

Gracias a varios referentes de la ciudad hemos podido contar la historia perdida de los surcos escondidos en la montaña.

Clubes emblemáticos, fiestas gigantescas y una diversidad de discotecas. Así se gestó la escena de música electrónica en Medellín.

Todo empezó el 4 de julio de 1984 con Veracruz Estéreo, una emisora de radio ubicada en Envigado que recibía los top 10 vinilos de Reino Unido por parte del padre de uno de los fundadores. Una pared con a tope de la A a la Z llena de discos de 45 revoluciones por minutos donde sus surcos llenaban todo el Vallé de Aburrá.

Radio Veracruz Estereo. Creditos al autor

Veracruz Estéreo no aguantó el paso del tiempo y el surgimiento de diversos competidores, entre ellos “La X” la primera emisora dedicada a la música electrónica en Medellín. Todelar radio con su nuevo nombre reemplazó al gigante de Envigado con una propuesta fresca de música Dance. 

Otra de las emisoras que surgió un par de años después fue Radio Activa, su programa música and beats marcó tendencia transmitiendo technoeurodance y eurohouse los domingos de 9 a.m a 12 m. Este programa era producido desde Bogotá, Cali y Medellín para llegar a las 14 ciudades donde sonaba la emisora. 

La música electrónica llegó al Valle de Aburrá exportada por medio de las ondas de la radio, si querías escuchar música electrónica tenías que escuchar radio.

Cada vez más gente se veía atrapada en los ritmos hipnotizantes y percusivos de esta nuevos sonidos. Se aproximaba una revolución de la música electrónica en inglés en la ciudad de la eterna primavera.

Los DJ de las emisoras empezaron a saltar a todo tipo de clubes, entre ellos la más famosa “Plataforma” una discoteca fundada en 1995 orientada al baile, sin sillas, sin donde descansar, acá se venía a bailar. Una bodega llena que por su popularidad habría cinco de los siete días a la semana, esta discoteca se había creado para el público gay, pero era tanta la fama que tenía que las personas heterosexuales hacían lo que fuese para entrar. Toda la noche de música electrónica, la base de lo que hoy está surgiendo.

Todas las discotecas empezaron a sacar propuestas similares. Toque de queda (La más antigua y con un nombre muy cómico actualmente) luego plataforma, Templo Antonia, y Exilio, un sitio donde cabían dos mil personas. La escena electrónica en Medellín tomó un auge cada vez mayor.

Sin embargo, tener música era un privilegio. Pocas personas se podían permitir conseguir un disco de doce pulgadas con los mejores tracks de la época, entonces la solución era esperar que alguien viajara y trajera algunos discos para vender, a los DJ les tocaba pelear por los discos y tocar lo que encontraran. Ahí los DJ aprendieron a tocar de todo. Incluso a los vinilos se les ponían rótulos blancos para que la gente no supiera qué canción estaba sonando, de este modo los tracks que estaban sonando aumentaban su valor y a la hora del diggin’ los DJ eran más selectivos.

Disco de vinilo rojo translúcido. Foto de Wikimedia Foundation, via Wikimedia Commons

Consolidación, decadencia y de vuelta al ruedo

 

Dreamland OP //: Filmmaker


Con décadas de autogestión Medellín empezó a recolectar el fruto de su trabajo, la ciudad empezó a ser reconocida en el ámbito internacional como una de las capitales de la música electrónica en el mundo. Todos los DJ europeos querían tocar en la ciudad y en festivales que empezaron a surgir como el Freedom en el 2008 por iniciativa del colectivo “MedellinStyle”, la escena raver se estaba afianzando y con ella aparecieron colectivos y artistas nacionales que buscaban abrirse paso en medio de toda la muchedumbre que buscaba ritmos cada vez más exquisitos.

Foto de Freedom Festival. 

Megapunk //: Ela Minus

Con el tiempo y el surgimiento del reggaetón la escena electrónica se vio envuelta en un bucle de sinsabores donde se cerraban clubes, los DJ sonaban igual y su única meta era tocar en Berlín el mismo techno de patrón repetitivo de 4×4. La música electrónica cada vez se volvía más underground y el público que quedaba se empezaba a cerrar de mente ante las nuevas propuestas y atrevimientos de productores nacionales.

Los tiempos oscuros no quedarían para siempre. Un grupo de productores empezaron a tomar por los cuernos a los poderes y sonidos tradicionales de la ciudad, desafiando su estructura y trayendo a colación un proceso largo que iniciaría en el 2019 al que los mismos actores denominaron la descolonización, donde se busca apartarse del eje europeo en lo sonoro y crear nuestra propia cultura electrónica basándonos en nosotros mismos, no en lo que el norte espere o le suene bien. Música hecha acá para gente de acá (pero si se exporta también). Sellos como Insurgentes, Tra Tra Trax, NEAS MDE, Esmeraldas y Artificio son los representantes del Valle de Aburrá ante el mundo y aunque algunos son nuevos, han dado bastante de qué hablar. 

Insurgentes. El pasado alimenta el futuro

Medellín Rave Society de Insurgentes. 

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El proceso de la música electrónica y su poder transformador sigue escribiendo la historia del mundo y nuestra ciudad, aunque usted no lo vea, aunque usted no lo oiga.

Descolonización musical en Medellín

Ciudad de Medellín. Donde el concepto de Descolonización ha cogido fuerza en los últimos años

Descolonización de la música electrónica

Ritmos que buscan su propia Libertad

Autoras:  Gisela Perdomo, Sara Agudelo y Paula Galvis.

Marzo 20, 2021

 

Como hemos expresado ya, creemos que la autocrítica es necesaria en la escena para lograr una participación horizontal, masiva y diversa donde ninguna persona se vea agredida por su condición de raza, sexo o clase. Será necesario repensar esas dinámicas culturales que en mayor o menor medida ha generado actitudes machistas, homofóbicas y coloniales en la escena de la música electrónica.

Desde menospreciar el talento local, hasta preferir en tu evento a x dj solo por ser europeo, se evidencia en los diferentes actores de la escena un pensamiento colonizado que subestima el talento de lo que aquí se crea. Y es que tanto dj’s, como oyentes, promotores y organizadores de eventos solemos caer en este tipo de actitudes, como algo insertado en nuestro inconsciente. Por eso buscamos la descolonización.

¿Cómo lograr una escena descolonizada? ¿Acaso es eso posible? Conversamos sobre el tema con Rainmaker y Arcane Prospect, dj’s de la ciudad Medellín, quienes desde lo individual y lo colectivo buscan crear propuestas sonoras caracterizadas por sonidos colombianos y de Latinoamérica.

Un Jazzista sumergido en los sonidos electrónicos

El jazzista Juan lopez explora los sonidos electrónicos que le han sido tan esquivos

Un jazzista

sumergido en los sonidos electrónicos

Autor:  Santiago Gordon.

Marzo 20, 2021

 
 
 
 
 
El jazzista Juan lopez explora los sonidos electrónicos que le han sido tan esquivos

Juan López, músico de sesión desde joven. Bajista y guitarrista –si se quiere ser específicos–. Sirvió de apoyo en proyectos musicales como Jet Nebula y Rosa Rosso, también de la orquesta de música tradicional México luz y color.

Es amante del jazz y del blues. De Miles Davis, John Coltrane, Charles Mingus y Jaco Pastorius.  Ha estudiado cada uno de los referentes clásicos. Escuchado cada uno de los álbumes que construyeron la escena y leído cada biografía y libro histórico que se ha cruzado. Considera que el jazz le permite expresarse de formas que otros géneros y medios jamás le hubieran permitido.

Para él lo más atrayente de la música está en su variedad. Siempre hay algo para alguien. Siempre hay algo nuevo por descubrir. Un constante aprendizaje.

Por eso, cuando le propusimos hacer un recorrido por el género, se sintió intrigado. Juan jamás ha escuchado electrónica de forma activa. Si mucho, lo que conoce de ella viene de bares y clubes donde se utiliza para ambientar el lugar. Considera este un buen ejercicio. Reconocer sonidos, instrumentos y técnicas utilizados de formas distintas a las que está acostumbrado.

Nos reunimos en su casa a las 9 de la noche. Su cuarto estaba lleno de vinilos, tocadiscos, amplificadores e instrumentos. Era el lugar perfecto para sentir la música. Consideramos que lo más importante era darle una idea de la electrónica mundial y una muestra de la escena medellinense.

Conectamos el amplificador al computador y empezamos a reproducir una de las playlist que preparamos para él.

Siempre, durante todo el ejercicio, mantuvo la concentración en el amplificador. Era como si lo estuviese estudiando. No solo con el oído, sino también con la vista. Sus comentarios y observaciones no se hicieron esperar.

Primero habló de la canción Suspiria, producida en 1977 para la película de terror del mismo nombre por la banda Goblin.

Suspiria //: Goblin

Sintió que le hizo ir de un estado de calma a uno de desesperación y ansiedad en cuestión de minutos. Ello producto de un muy serio y profesional trabajo de orquestación. Admiró también el nivel de experimentación de la canción. Que utiliza instrumentos poco convencionales en occidente, especialmente para la época. Tales como timbres, un sitar (instrumento de cuerda hindú) y el koto japonés.

Su siguiente parada llegó con la canción Cars de Gary Numan.

Cars //: Gary Numan

Reconoció lo que considera vendría a ser la estética sonora de los 80s. El uso del synth bass, el trabajo con osciladores y los envolventes acústicos (los cuales permiten modificar la duración de una onda de sonido dentro de la canción). Elementos que serían comunes en bandas de talla mundial como Depeche Mode. Notó la clara importancia del género para lo que considera una de las épocas más importantes en la historia musical.

Pero fue gracias a la artista de italodisco Clio y la banda inglesa de new wave New Order, que identificó el claro perfil comercial de la electrónica. 

Faces //: Clio

Temptation //: New Order

Es un sonido que se ha escuchado miles de veces en miles de lugares. Bares, clubes y estaciones de radio. Y es claro el por qué. Es imposible escuchar esta música sin mover una parte de tu cuerpo. Evocan una reacción física de la cual no se puede escapar.

Con la siguiente tanda de artistas, Moby, LCD Soundsystem y Fatboy Slim. 

Porcelain //: Moby

Dance Yrself Clean //: LCD Soundsystem

Right Here Right Now //: Fatboy Slim

 Sintió un cambio muy palpable. Los consideró su parte favorita de lo escuchado hasta el momento. Pues reconoció el nivel de exploración y creatividad que contienen sus producciones a la hora de utilizar sonidos que no se encuentran en instrumentos convencionales. Admitió que no logra reconocer su origen. Que podrían venir de cualquier cosa. Desde una caneca de basura hasta una botella de vidrio. Admiró el hecho de que son producciones mucho más complejas. En especial en el aspecto compositivo. Donde los artistas le dan una mayor importancia a la melodía.

Al terminar la primera parte del ejercicio habiendo escuchado, lo que consideramos, es una clara muestra de lo que el género tiene para ofrecer, sin ser todo lo que existe de él, claro está, le preguntamos sobre su reflexión final. Su respuesta fue bastante humilde y apreciativa.

“Una vez te tomas el tiempo de escuchar detenidamente estos artistas te das cuenta de que son sonidos y conceptos que ya has visto antes de alguna forma. Sientes que siempre estuvieron allí. Pero escuchar a quienes los hicieron posibles trae una nueva perspectiva sobre la mesa. Llena de respeto y aprecio a sus orígenes”.

Consideramos que para ese punto Juan ya tenía una clara idea de lo que ha sido la electrónica en el mundo. Desde la cual podría comparar o analizar lo que se realiza en la ciudad. Le preguntamos si le gustaría escuchar un poco de la creciente escena de la producción electrónica local. Por supuesto le llamó la atención.

Escuchamos a varios artistas. Unos más consolidados que otros. Verraco, DJ Pai, Rainmaker y Bitter Babe. 

Verraco //: 10Concecuences Of The Fall Of The Internet

DJ Pai //: Cómo Olvidarla

Zenith //: Rainmaker

SMS_229-305 //: Bitter babe x Nick León

Perreo, technoambientminimal synth. Fue la primera vez en toda la sesión de escucha que no detuvo ninguna de las canciones para  dar su opinión. Solo escuchaba.

Esperó un rato antes de dar su apreciación sobre la última parte del ejercicio.

El motivo por el que basó su carrera en México es debido a que, antes de partir, la escena musical colombiana no eran lo suficientemente apoyada para florecer y ser reconocida de manera internacional como sí lo ha sido en otros países latinoamericanos. Por lo que el que artistas colombianos estén mostrando la iniciativa de crear su propia música, basada en sus raíces, apoyándose entre ellos, lo considera de admirar. Fue lo primero que le llamó la atención.

Si bien aún hace falta mucho trabajo para salir del  underground, encuentra admirable que se está empezando a madurar la escena musical de la ciudad. teniendo no solo proyectos, sino también comportamientos más profesionales de los que eran apreciables hace unos cinco o seis años atrás.

“Por lo que escucho. Hoy en día el ser un artista serio en la música, en Colombia, es cada vez menos la idea loca de una persona joven que quiere buscarse una vía alternativa para poder vivir feliz”.

Aprecia que los músicos de la ciudad, sin dejar de respetar sus orígenes sonoros, no estén asustados de explorar nuevas formas de incorporar sonidos propios. Esto sin perder de vista el género al que pertenecen.

Siente que hay una comunidad que está forjándose un carácter y una personalidad clara producto de su ambiente y de su público. Si bien son underground en el momento, poco conocidos para el público mainstream. Se están tomando la responsabilidad que tienen como artistas en serio. desarrollando nuevas ideas y constantemente explorando nuevos sonidos y proyectos. Una muestra clara de que hay unos cimientos en los que están construyendo algo firme. Una escena en Medellín de la cual se puede hablar. De la cual se puede escribir. De la cual podemos sentirnos orgullosos.

Dando fin al ejercicio, hablamos por unas cuantas horas sobre estudio, trabajo y amigos. Sobre cosas ajenas al tema por el que nos reunimos. Cuando llegó el momento de despedirnos, Juan lanzó una pregunta que me sorprendió y que incluso nos hizo sentir alegres

¿Cuándo es el próximo toque? 

Arcane Prospect: La música como identidad propia

Arcane Prospect, dj y productor de Medellín

Arcane Prospect

La música como identidad propia

Autora:  Gisela Perdomo

Marzo 20, 2021

 
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Pascual Gómez Londoño, conocido como Arcane Prospect, ha tenido una conexión con la música desde que era niño. Nora Londoño, su madre y cantante de profesión, le enseñó a amar y disfrutar la música desde siempre. Crecer en un entorno permeado por este arte le hizo vincularse con el medio desde su adolescencia. 

Cuando tenía 13 años pasaba sus tardes descargando reggaetón en Ares y otros sitios web. Incluso, hizo parte de un blog muy popular finalizando la primera década del 2000, referente en la difusión de música urbana de Latinoamérica. 

Allí publicaban noticias, entrevistas, hacían eventos y permitían la descarga libre de música junto a otras personas. En ese entonces ni se hablaba de las plataformas de streaming

Llegado el 2012, Pascual se fue a estudiar al exterior y su aporte en esa comunidad terminó, pero sus ansias de compartir música con diferentes personas del mundo se mantuvo e incrementó con el tiempo. Descubrió su gusto por la música electrónica estando en Inglaterra.

De vuelta en Colombia, a finales de 2012, empezó a escuchar muchos estilos del género como EDM, technohousetech houseprogressive house, etc. Su gusto musical estuvo muy potenciado por su natural sentido de la curiosidad.

Cautivo de la electrónica

Fue en 2014 empezó a buscar un estilo propio. Su gusto fue tanto que decidió dejar su carrera de Ingeniería de Sistemas en la Universidad Eafit para tomar clases de dj y producción. Al mismo tiempo que iniciaba su carrera de Ingeniería de Sonido en la Universidad de San Buenaventura. Allí conoció muchas personas que compartían sus intereses y fue así como empezaron las reuniones en terrazas con amigos. La fiesta y el baile eran el medio para ampliar sus horizontes musicales y compartir un deseo colectivo: hacer buena música.

Estos espacios fueron creciendo hasta que un día se encontraron con 70 personas en una terraza bailando al ritmo de la música que Pascual y sus amigos tocaban. Allí supieron que era el momento de materializar su arte en algo comercial que pudiera ser mostrado a muchas más personas.

Cuando Pascual apenas empezaba a mostrarse al mundo como Arcane Prospect, estaba seguro que ser dj no sería su profesión. Solo era una actividad que disfrutaba hacer y mostrar a sus amigos. Que tenía otros planes para su futuro profesional. 

Ese pensamiento se fue desvaneciendo con el paso del tiempo y gracias a su exploración artística. En palabras de Pascual: “Ya lo veo muy en serio. Es un trabajo al que le tengo que dedicar tiempo, como cualquier otro trabajo. Ya tengo una claridad artística más definida. Qué quiero expresar, qué no quiero expresar, qué quiero mostrar, cómo me quiero mostrar”.

La música como canalizadora de sus emociones

Para él lo más importante al momento de hacer música es que cada pista transmita una emoción que lo esté atravesando en ese instante. Un momento de su vida que lo sitúa frente a la tornamesa y le hace expresar, a través de la música, lo que no podría con meras palabras. Por supuesto, que sea algo que también le guste escuchar al público, pero su música nunca va contra sus emociones.

“Yo fui criado en una familia que me dio todo y me cuido mucho, me mostraron el mundo como algo muy bonito. Cuando empecé a crecer y a enfrentarme a él me di cuenta de que no, entonces yo vivo como en un constante despecho con la vida, con el mundo, porque no es lo que yo toda mi niñez y parte de mi adolescencia pensé que era”. Así explica la melancolía y tristeza que está presente en sus pistas, su toque, incluso, es consciente de que muchos de sus amigos y oyentes lo reconocen por esto.

Una pregunta que ronda su cabeza constantemente es la de qué aporta su trabajo artístico a la escena de la música electrónica en Medellín. Pues busca ser diferenciado por lo que hace y ser un referente de creatividad e innovación artística. Es consciente de que muchos de sus amigos y seguidores de Rouge, colectivo con el que trabaja hace cuatro años, se han vinculado a la escena o han empezado a amar el género musical por sus invitaciones a eventos o trabajo como artista.

Como lo dice él mismo: “He puesto mi granito de arena para que la escena en la ciudad crezca”.

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Trabajando por una escena 

En lo musical siempre está en una constante exploración que le permita integrar a sus pistas nuevos ritmos con identidades latinas, colombianas y, sobre todo, paisas. 

Él lo expresa así: “Trato siempre de diferenciarme en mi música. Entonces siento que también agrego eso de refrescar el sonido que se escucha en Medellín y en parte en Colombia”. No es un artista estático y le gusta que lo reconozcan por eso.

Busca ser un artista íntegro, donde su calidad como ser humano al momento de trabajar colectivamente. Es por esto que procura pagar bien el trabajo del otro, ser justo y crear un ambiente laboral donde todos sean amigos sin dejar la responsabilidad de lado. 

Además, reconoce que los espacios de fiesta pueden resultar hostiles para las mujeres, dado que, como en muchos lugares, pueden darse situaciones de acoso y hostigamiento. 

Por esta razón, en cada evento que organiza, se asegura de que haya personal vigilando el espacio y al que puedan acudir las personas que se sientan víctimas de situaciones incómodas.

Recogerá el fruto de su labor como artista cuando el trabajo colectivo de djs, productores, sellos, organizadores y el público, logre crear una escena más estable y consolidada. Una que ayude a cambiar el estigma que se tiene frente al género. Incluso desde las entidades públicas que actualmente ponen muchas trabas para la realización de eventos. 

Mientras esto sucede, se asegura de que su trabajo sea reconocido por ser fresco y diferente, pues Arcane Prospect sabe que de esa manera aporta a la consolidación de una escena con identidad propia. 

Llegada a las montañas

La electrónica llegó a Colombia e tres ciudades principalmente. Bogotá, Cali y Medellín

Medellín

Llegada a las montañas

Autora:  Laura Correa.

Abril 26, 2021

 
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La llegada de la música electrónica a Medellín, o música anglo y disco como se llamó entonces, vino acompañada de una exploración artística y un boom cultural que no cesa hasta ahora. Ritmos que no solían escucharse y nuevas curiosidades suscitadas en las y los artistas que veían su futuro en la industria musical.

A finales de los 80’s y con un nuevo ambiente en los parches de la ciudad, la música electrónica sirvió de refugio y catarsis para las personas con identidades disidentes, como pasaba ya en diferentes países del mundo. Fue así como empezó a gestarse una escena electrónica que, aunque falte mucho para considerarse masiva y consolidada, es inevitable reconocer que se encuentra en un punto diferente y más favorable al de aquel entonces. 

Acompáñanos en este recorrido por la historia de la música electrónica en las montañas de Medellín, Colombia.

Verraco: Expresión política y social dentro del ritmo

Foto de Verraco, dj y productor de la ciudad de Medellín

Verraco

La expresión política y social dentro del ritmo

Autora:  Laura Correa.

Marzo 20, 2021

 
 
 
 
 
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Con la mirada firme en el futuro y su visión crítica, Verraco comenzó a mostrarse en Colombia desde 2017. No le gusta dar su nombre de pila, pues cree que Verraco es todo lo que debe ofrecer a sus oyentes. Es un joven adulto que busca mantener su vida privada del público.

No salió de los aires, este nombre se creó a partir de todo un proceso que tuvo desde adolescente. “Aunque crean que es una contrariedad, yo comencé en el mundo de la música con el reggaetón. Buscaba las canciones, las quemaba y las vendía en el colegio”.  

El reggaetón fue el inicio de su camino y, después de ello, comenzó a indagar en distintos programas de dj para comenzar a mezclar. Un año después, se encontraba tocando en Carnival, el club más importante de música electrónica de Medellín. Desde ese momento comenzó a tejer una periodicidad en las fiestas electrónicas dentro de la ciudad que él ayudó a iniciar.

Desde que nació como artista, partió de la premisa de que quería que sus sonidos reflejaran a Latinoamérica. No cree en la nacionalización pura de los sonidos. Cree que cada uno de ellos demuestra una realidad que puede ser representada en el continente. Desde el sonido más robótico hasta el más “cumbión”. Esto partiendo de la idea de que la descolonización no se refiere a la utilización de sonidos específicos, sino estar en contra de la estereotipación en la escena colombiana y Latinoamericana.

Para Verraco un dj se caracteriza por su conocimiento vasto en música y el estar atento a distintas melodías y sonidos que se generan alrededor. Se trata de estar dispuesto a aprender y escuchar. Además de esto, un buen dj busca tener una posición interdisciplinar, es decir, no solo referirse a la música y la mezcla desde lo técnico, sino también comprender la razón del por qué existe ese sonido. 

Desde esa idea, Verraco considera que la escena electrónica debe ser crítica. 

“Colombia da mucho de qué hablar, con los visibles escenarios de corrupción y violencia tenemos la responsabilidad de ser críticos. Porque esto no solo es una escena, es un movimiento de por sí. Esta música se creó a partir de hacer resistencia por gente oprimida en Estados Unidos. Ya sea por ser homosexual o afroamericano. Quienes se encontraban en una ciudad olvidada como Detroit, y hallaron en las máquinas una forma de expresar sus frustraciones y deseos de futuro. Si vamos al otro lado del charco, podemos ver como la electrónica sirvió como elemento de cohesión social entre la Berlín occidental y oriental”.

Su visión sobre algunos habitantes y artistas colombianos es de “gente acomodada y mediocre”. No ven más allá de lo que es la música y como esta se ha creado a lo largo del tiempo. No obstante, durante los últimos años se han creado e instaurado nuevos movimientos que, junto con él, buscan darle un nuevo rumbo a la electrónica en Latinoamérica, concretamente en Colombia y Medellín.

A partir de tener una visión crítica, fundó los sellos Insurgentes y Tra Tra Trax. Que buscan dar visibilidad a los djs latinoamericanos y sus propias ideas críticas. Ellos se han convertido en ejemplos para la visión del género musical. Buscando generar reflexión política y social, sin dejar de lado el dembow latinoamericano. 

En 2020 Verraco lanzó su último álbum llamado Grial. Descrito en la revista cultural Cartel Urbano como “ciencia ficción sónica desde el Valle de Aburrá” y que Verraco prefiere denominar como “Mestizo – Futurismo”, concepto que surge a partir de la idea de la descolonización del eurocentrismo de la música electrónica.

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La electrónica siempre ha estado expuesta a múltiples interpretaciones, ya que no sirve de letras para guiarse. Por lo tanto, Verraco asegura que la electrónica tiene como responsabilidad explorar otras maneras de expresarse. Desde el nombre de los temas del EP, hasta el diseño del vinilo (que incluso muchos llevan explicaciones de los temas). La creación de un tema es un trabajo multidisciplinario que necesita de narrativas.

Verraco se mira a sí mismo en un futuro comprometedor donde espera que su sello sea reconocido y valorado, con sus exploraciones críticas sobre la descolonización, la actualidad y la inclusión. Además, espera que su sello pueda funcionar de tal forma que alcance la libertad financiera. 

Lo más sorprendente es que, aunque esconda su vida privada, este dj es reconocido en la escena y movimientos locales que lo catalogan como uno de los más innovadores del país.

Artificio: El sonido como detonante

Logo del sello discográfico Artificio

Artificio

El sonido como detonante

Autora: Sara Agudelo.

Marzo 20, 2021

 
 
 
 
 
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Crear un sello discográfico desde cero

Artificio es un sello discográfico de música electrónica fundado en Medellín a finales del 2020 por Andrés Hernández (Rainmaker) y Pascual Gómez (Arcane Prospect). Ellos se encuentra en la constante búsqueda de sonidos latinoamericanos que permitan crear una identidad propia cuyo propósito es “descolonizarse del Norte”. Como lo describe Pascual Gómez. 

Conformado por cinco integrantes, Artificio se caracteriza por crear música fresca y alternativa que sea sonoramente distinta, especialmente compuesta por ritmos con raíces colombianas.

“Desde el Valle de Aburrá, en Medellín, surge Artificio, un nuevo sello discográfico gestado por los DJs y productores Rainmaker y Arcane Prospect. Ellos buscan tener una plataforma propia donde puedan exponer su visión de la música electrónica con mezclas entre jungleambientdrum n bassbreakbeatbasstechno y neoperreo”, escribe Mauricio Atencia en el portal DJ Latinoamerica.

Su lema es “el sonido como detonante que transmuta al cuerpo”, ya que no ven a la música como algo banal, superficial, fácil ni ligera, sino que buscan ir más allá, transmitir un mensaje desde la emoción y la situación social actual, buscando que la música mueva a las personas en todos sus aspectos.

“El valle que descansa entre las montañas de Antioquia es tierra fértil para el crecimiento de propuestas musicales sorprendentes. Por eso, nadie se extraña al hablar de un nuevo artista, club o colectivo paisa. Lo que sí pasa es que la curiosidad se activa y los oídos se relajan para sentarse a saborear un nuevo plato. Así nos pasó cuando escuchamos la música de Artificio, el sello que Arcane Prospect y Rainmaker fundaron en octubre de 2020”. Así se lee en el portal Ahora.

La historia de este sello comenzó en 2019, cuando Pascual y Andrés se conocieron y decidieron que querían comercializar la música que tocaban. Junto a su socio empezaron a trabajar, hicieron la planeación del sello, contrataron un diseñador y hablaron con otros amigos djs. Fue así como después de un año de planeación, lanzaron el sello.

La visión del mundo de Artificio es un reflejo de Pascual y Andrés como personas. Al momento de entrar al mundo de la electrónica, se interesaron por relacionar su música con los temas sociales que afectan al país, esto con el fin de ayudar a difundir dichas problemáticas a través de sus temas musicales.

A finales del 2019 nació Medallo, su primer estreno. Por medio de cinco temas muestran los diferentes estilos de los djs que conforman el sello. Los cuales se deben a influencias musicales y exploraciones sonoras en las pistas de baile de Medellín.

 
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“Con la intención de alterar los límites conocidos del sonido electrónico colombiano y latinoaméricano, ambos artistas formaron SLRSCT. El dúo que le dio forma e identidad a Medallo, el EP de lanzamiento del sello. Así, participaron en el festival virtual Circuito junto a Renata Rave, Rouge, Perro Perro, TraTraTrax y Pez Alado. Además, en el último diciembre iniciaron una residencia mensual en Internet Public Radio y se preparan para participar en COMMON, otro festival digital con invitados de todo el mundo”, dice el portal Ahora.

El segundo estreno de artificio se titula Incendios y fue producido a principios de 2020. Un retrato del centro de Medellín, desde una mirada apreciativa, en donde las protestas de estudiantes, antes y después de la pandemia, causaron varios incendios. Son siete temas que cuentan una historia de la ciudad incendiándose y de cómo el fuego puede transformarla.

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En cada estreno, Artificio quiere dejar un mensaje que retumbe,  que retratar la ciudad y los momentos que vive en el día a día. Su idea no es simplemente producir música, sino que quieren que el sello sea recordado por hacer una crítica social.

Artificio apoya las luchas sociales, están convencidos de ellas y quieren promover en la sociedad una apuesta de equidad, justicia y respeto. Aunque saben que son ideales difíciles de alcanzar, creen en ellos y los promueven a través de sus sonidos.

 

Un sello discográfico cuyo norte es el sur

Tienen claro los tres principios que lo rigen. En primer lugar, quieren “promocionarnos a nosotros”, artistas latinos, sobre todo del Valle de Aburrá. Segundo, desean generar música que cuente algo diferente a lo que comúnmente se escucha en el género de la música electrónica. Finalmente, pretenden seguir trabajando el tema de la descolonización, que caracteriza a este sello, o como lo cuenta Rainmaker “…queremos dejar de mirar para el Norte, nuestro norte es el sur”.

En cinco años aspiran a ser el sello musical más conocido de la ciudad, pero sobre todo ser reconocidos por hacer las cosas bien. Buscan que haya una buena curaduría musical, que las personas que trabajen para ellos tengan talento y estén alineados con sus ideales. Además, quieren ayudar en el tema social, ser un sello más internacional, introducirse en el mundo de la radio y contar con un equipo de trabajo más grande.