El pasado alimenta el futuro: Historia de un género

Sintetizador, uno de los instrumentos más importantes en la electrónica a pesar de su edad. El pasado alimenta el futuro

El pasado alimenta el futuro

Historia de un género

Autores:  Santiago Gordon y Andrés Hernández

abril 24, 2021

Sintetizador, uno de los instrumentos más importantes en la electrónica a pesar de su edad. El pasado alimenta el futuro

Sintetizador Minimoog (1970) del pionero inventor Robert Moog. Foto de glacial23, via Wikimedia Commons

El pasado alimenta el futuro

Para amenizar este capítulo escuche:

Electronic Sonata For Souls Loved By Nature //: George Russell

La música electrónica es negra por naturaleza. Si nos remontamos a las dos últimas décadas del jazz ecléctico, podremos encontrar un océano de sonido vasto y profundo donde entenderemos que la música electrónica ha trascendido fronteras sónicas y ha influenciado toda la industria musical desde antes de tener un nombre en la gama de géneros musicales. Esa fusión de los sesenta, setenta, el neoclasicismo de los ochenta e incluso la fusión jazz de los 90 dieron paso a un embrión mucho más grande que permitió estar donde estamos.

Desde Sun Ra hasta a Alice Coltrane, se tejió una ficción sonora ambiciosa y audaz que sirvió de inspiración para varios oyentes como nosotros.

Sun Ra. El pasado alimenta el futuro

Sun Ra. Foto de Pandelis karayorgis at English Wikipedia, via Wikimedia Commons

Un nacimiento inesperado

Al hablar sobre la vida de un género tan grande se hace casi imposible abarcar cada desvío, invento o revolución en los límites del proyecto. Tenemos que comenzar de manera obligatoria exponiendo nuestro concepto de música electrónica.

Y si consideramos que abarca cualquier producción que contenga el uso de instrumentos electrónicos, la gran mayoría de música contemporánea entraría en esta categoría. Cada canción en que se haya utilizado un sonido en particular, sin importar que tan pequeña su función, tendría que ser tomada en cuenta. Lo que podría llevarnos a fechas tan lejanas como 1876, año de la invención del Telégrafo Musical por Elisha Gray. Más lejos aún, la creación del teclado Golden Dionysus por el pionero Václav Prokop Diviš en 1748.

Por ello, con el objetivo de delimitar el rango de esta tarea, su enfoque y el punto de partida, definiremos como música electrónica aquellas producciones en las que los sonidos electrónicos, análogos o digitales son primordiales en la concepción de la pista. Así, podemos empezar a hablar de la electrónica como género en un periodo de tiempo específico. Donde lo antes descrito comienza a verse reflejado de manera significativa. La década de 1970.

Múltiples artistas, la banda de rock Pink Floyd y el jazzista Herbie Hancock, entre otros, empezaron a explorar y experimentar con nuevos sonidos que eran obtenidos gracias al uso de sintetizadores y osciladores. Ello les permitió revolucionar su propio sonido y abrir los horizontes de lo que era considerado permitido en sus propios géneros. Otros artistas utilizaron esta oportunidad para darle una nueva dirección a la producción musical, enfocada en la creación de nuevos sonidos.

Kraftwerk, Vangelis, Jean – Michel Jarre, Goblin, Tangerine Dream, Brian Eno, Giorgio Moroder, etc. Una nueva ola de músicos que se convertirían en los cimientos de un género mutante, inestable y volátil. Dominando bandas sonoras, clubes y discotecas alrededor del mundo entero.

Brian Eno. El pasado alimenta el futuro

Brian Eno. Foto de AVRO, via Wikimedia Commons

Sky Saw //: Brian Eno

synthpopnew waveitalo discoeurobeat. Ya en la década de 1980 veríamos la maduración de la electrónica con una explosión de nuevos géneros, más sofisticados, gracias a los avances tecnológicos de la época como el MIDI (interfaz digital de instrumentos musicales). Este revolucionaría la forma en la que los instrumentos e interfaces digitales se comunican entre sí.

Pero sofisticado no es lo mismo que complicado. Estos avances permitieron que la electrónica se convirtiera en uno de los géneros musicales más accesibles a la hora de producir. Una tendencia que se mantendrá hasta la actualidad. Lo único necesario, además de la experiencia musical, es un computador.

Así inició un dominio que, por lo menos durante los 80s, no parecía tener competidor. Fuese en la radio del carro, en MTV o en el festival más grande del año, la electrónica dominaba la escena mainstream.

New Order. El pasado alimenta el futuro

New Order. Izquierda a Derecha: Stephen Morris, Peter Hook, Gillian Gilbert, Bernard Sumners. Foto de Kevin Cummins

Blue Monday //: New Order

 

Artistas y bandas como Kim Wide, Depeche Mode, New Order y Dead or Alive dominarían los listados musicales de la primera mitad de la década gracias a hits como Kids In America (1981), Just Can’t Get Enough (1981), Blue Monday (1983) y You Spin Me Round (1984), respectivamente. Mientras que grupos como A-ha, Erasure, Pet Shop Boys e Information Society se sumarían a las listas de éxitos en la segunda mitad de los 80s, con singles como Take On Me (1985), Sometimes (1986), It’s a Sin (1987), What’s On Your Mind (1988), entre otros.

Take On Me de A-ha. Video de Warner Bros

La ciencia del breakbeat y la cultura rave

Para amenizar este capítulo escuche: 

 

 

La tierra estaba húmeda, el sol pegaba directamente y el viento sacudía con una leve fuerza. El ambiente perfecto para que la semilla de los antiguos maestros del jazz germinara en las juventudes revolucionarias de los ochentas y empezarán a imponer sus quiebres (breaks) en el mapa sonoro de la escena musical, que ya empezaba a tener en su radar a los sonidos electrónicos.

Tanto así que empezaron a surgir revoluciones internas en lo que se consideraba música electrónica. La cual era conocida por tener su clásica fórmula de 4 golpes de bombo (kicks) en 4 tiempos, o como se le conoce normalmente un 4×4.

De eso se tratan los breaks, de quebrar el ritmo que se tenía establecido para llevar al oyente a una nueva realidad sónica donde las variaciones, el sampleo y las voces del futurismo afro diaspóricas del nuevo hip hop se fusionan en un flujo continuo que ha marcado la revolución en la música y ha retomado fuerza en la actualidad.

“El sampling ofrece una manera de colapsar todas las músicas negras en un chip”. Greg Gate.

UR. El pasado alimenta el futuro

Underground Resistance. Foto de Photophunk

The Seawolf //: Underground Resistance

El appeal mainstream de la electrónica sufriría de una caída en popularidad a finales de los 80s e inicios de los 90s. Ello gracias a la incursión de actos como Nirvana, Sonic Youth y Radiohead, por nombrar a algunos. Pero volvería a dominar la escena, de una forma diferente, durante lo que para muchos es la década de la experimentación del género.

El Techno saldría de su hogar en Detroit y Chicago para incursionar en el viejo continente. Nuevos artistas y teorías musicales empezaron a surgir por este choque cultural, causando una revolución, veloz y explosiva, que tomó las pistas de baile como suyas. Eurodance, acid house, jungle, drum’ n’ bass, trance, breakbeat. Alan Ford, Black Box, The Shamen, Paul Van Dyk, Robert Miles, Underworld y Orbital. Géneros y artistas que sonarían en nacientes clubes de América, Europa y Asia, inmortalizarían una época de excesos sonoros en el colectivo social.

Berghain en Alemania. The Haçienda y Ministry of Sound en Inglaterra. Amnesia y Space en España. Zouk en Singapur. Motor y Tunnel en Estados Unidos. Los clubes le pertenecía una vez más a la electrónica.

Berghain. El pasado alimenta el futuro

Berghain Club. Foto de Marcheur1976, via Wikimedia Commons

Pero no paró ahí. Surgirían nuevos géneros, más enfocados a experiencias personales, ideales para el melómano, el coleccionista, el purista. El idm (intelligent dance music), trip hopnew synthpopglitch pop, aportaron ideas complejas que impulsaron una de las épocas creativas más impresionantes en la historia musical.

Aphex Twin, Autechre, Sweet Trip, Dj Shadow, Massive Attack, Portishead, Daft Punk, Björk, Fatboy Slim, Moby. Artistas que trajeron consigo sonidos destinados a convertirse en la inspiración del nuevo siglo. Los artistas favoritos de tus artistas favoritos.

Björk. El pasado alimenta el futuro

Björk. Foto de Zach Klein from New York, New York, USA, via Wikimedia Commons

Hyper-ballad //: Björk

Un nuevo milenio, mil nuevas identidades

Con tantos estilos diferentes, con tantos actos diferentes, con tantas canciones y álbumes. ¿Qué nuevo se podía crear? La respuesta que hallaron los creativos del nuevo milenio fue simple.

Cada vez era más difícil hacer música puramente original, claro, pero era la época perfecta para revisar el pasado. Tal vez, no era necesario crear nueva música, sino reinterpretar la que ya existe.

LCD Soundsystem con su dance punk. Justice con el electro rock. Deadmau5 y el progressive house. Skream y Burial con el dubstep (evolución sonora de géneros como el drum’ n’ bass y el breakbeat). Hot Chip y Daft Punk continuando el legado del synth pop.

Justice. El pasado alimenta el futuro

Justice. De izquierda a derecha: Gaspard Augé y Xavier de Rosnay. Foto de Bertrand from Paris, France, via Wikimedia Commons

D.A.N.C.E //: Justice

Algunos de estos movimientos fueron más populares que otros. Unos fueron nichos perfectos para los melómanos incomprendidos. Actos alternativos de gran valor y proyectos locales muy propios de su lugar de origen.

Pero en la segunda mitad de los 2000s aparecería el fenómeno que, por lo menos hasta hoy, ha sido el zenit de la música electrónica comercial, el edm (electro dance music).

No es un género como tal sino una forma de describir un conjunto de ellos que se apoderaron de los festivales y carnavales musicales del mundo. Este resurgimiento en popularidad se lo podemos atribuir a varios artistas que, con grandes producciones que incluyeron artistas pop de talla mundial, fijando los oídos del mundo en ellos. Calvin Harris, David Guetta, Zedd, Martin Garrix, Hardwell, etc.

Si tuvieramos que atribuirle un género principal, definitivamente sería el progressive house. Con artistas, además de los ya mencionados, como Avicii, Swedish House Mafia y Alesso. Pero no era una regla, ya que Skrillex hizo del dubstep un fenómeno comercial tan grande que era imposible no catalogarlo como edm.

Este fenómeno solo seguiría creciendo durante la primera mitad del 2010, antes de, como otras tendencias, caer en popularidad. Nuevos artistas continuarían gestándose y no nos sorprendería que pronto la electrónica volviese a estar en la cima.

Armin van Buuren en el Ultra Music Festival. Foto de Rutger Geerling – http://rudgr.com/, via Wikimedia Commons

Armin van Buuren //: In and Out of Love

Ecos en el valle. Surcos en las montañas

Ya tenemos suficiente historia extranjera de exploraciones y rebeldías que han marcado un horizonte claro para el surgimiento y llegada de la música electrónica, entre verdes montañas, a nuestro amado Valle de Aburrá.

Siempre hemos creído que la música habla por sí sola y que las palabras rebuscadas opacan su intención transformadora. Sin embargo, es necesario dar visibilidad a las historias perdidas que nadie ha contado y que la gente no sabe que existen.

Rastrear el origen del sonido en el vasto océano de ficción sónica que habita en una cultura que ha sufrido de un mestizaje tan agresivo como la antioqueña es un reto. 

Gracias a varios referentes de la ciudad hemos podido contar la historia perdida de los surcos escondidos en la montaña.

Clubes emblemáticos, fiestas gigantescas y una diversidad de discotecas. Así se gestó la escena de música electrónica en Medellín.

Todo empezó el 4 de julio de 1984 con Veracruz Estéreo, una emisora de radio ubicada en Envigado que recibía los top 10 vinilos de Reino Unido por parte del padre de uno de los fundadores. Una pared con a tope de la A a la Z llena de discos de 45 revoluciones por minutos donde sus surcos llenaban todo el Vallé de Aburrá.

Radio Veracruz Estereo. Creditos al autor

Veracruz Estéreo no aguantó el paso del tiempo y el surgimiento de diversos competidores, entre ellos “La X” la primera emisora dedicada a la música electrónica en Medellín. Todelar radio con su nuevo nombre reemplazó al gigante de Envigado con una propuesta fresca de música Dance. 

Otra de las emisoras que surgió un par de años después fue Radio Activa, su programa música and beats marcó tendencia transmitiendo technoeurodance y eurohouse los domingos de 9 a.m a 12 m. Este programa era producido desde Bogotá, Cali y Medellín para llegar a las 14 ciudades donde sonaba la emisora. 

La música electrónica llegó al Valle de Aburrá exportada por medio de las ondas de la radio, si querías escuchar música electrónica tenías que escuchar radio.

Cada vez más gente se veía atrapada en los ritmos hipnotizantes y percusivos de esta nuevos sonidos. Se aproximaba una revolución de la música electrónica en inglés en la ciudad de la eterna primavera.

Los DJ de las emisoras empezaron a saltar a todo tipo de clubes, entre ellos la más famosa “Plataforma” una discoteca fundada en 1995 orientada al baile, sin sillas, sin donde descansar, acá se venía a bailar. Una bodega llena que por su popularidad habría cinco de los siete días a la semana, esta discoteca se había creado para el público gay, pero era tanta la fama que tenía que las personas heterosexuales hacían lo que fuese para entrar. Toda la noche de música electrónica, la base de lo que hoy está surgiendo.

Todas las discotecas empezaron a sacar propuestas similares. Toque de queda (La más antigua y con un nombre muy cómico actualmente) luego plataforma, Templo Antonia, y Exilio, un sitio donde cabían dos mil personas. La escena electrónica en Medellín tomó un auge cada vez mayor.

Sin embargo, tener música era un privilegio. Pocas personas se podían permitir conseguir un disco de doce pulgadas con los mejores tracks de la época, entonces la solución era esperar que alguien viajara y trajera algunos discos para vender, a los DJ les tocaba pelear por los discos y tocar lo que encontraran. Ahí los DJ aprendieron a tocar de todo. Incluso a los vinilos se les ponían rótulos blancos para que la gente no supiera qué canción estaba sonando, de este modo los tracks que estaban sonando aumentaban su valor y a la hora del diggin’ los DJ eran más selectivos.

Disco de vinilo rojo translúcido. Foto de Wikimedia Foundation, via Wikimedia Commons

Consolidación, decadencia y de vuelta al ruedo

 

Dreamland OP //: Filmmaker


Con décadas de autogestión Medellín empezó a recolectar el fruto de su trabajo, la ciudad empezó a ser reconocida en el ámbito internacional como una de las capitales de la música electrónica en el mundo. Todos los DJ europeos querían tocar en la ciudad y en festivales que empezaron a surgir como el Freedom en el 2008 por iniciativa del colectivo “MedellinStyle”, la escena raver se estaba afianzando y con ella aparecieron colectivos y artistas nacionales que buscaban abrirse paso en medio de toda la muchedumbre que buscaba ritmos cada vez más exquisitos.

Foto de Freedom Festival. 

Megapunk //: Ela Minus

Con el tiempo y el surgimiento del reggaetón la escena electrónica se vio envuelta en un bucle de sinsabores donde se cerraban clubes, los DJ sonaban igual y su única meta era tocar en Berlín el mismo techno de patrón repetitivo de 4×4. La música electrónica cada vez se volvía más underground y el público que quedaba se empezaba a cerrar de mente ante las nuevas propuestas y atrevimientos de productores nacionales.

Los tiempos oscuros no quedarían para siempre. Un grupo de productores empezaron a tomar por los cuernos a los poderes y sonidos tradicionales de la ciudad, desafiando su estructura y trayendo a colación un proceso largo que iniciaría en el 2019 al que los mismos actores denominaron la descolonización, donde se busca apartarse del eje europeo en lo sonoro y crear nuestra propia cultura electrónica basándonos en nosotros mismos, no en lo que el norte espere o le suene bien. Música hecha acá para gente de acá (pero si se exporta también). Sellos como Insurgentes, Tra Tra Trax, NEAS MDE, Esmeraldas y Artificio son los representantes del Valle de Aburrá ante el mundo y aunque algunos son nuevos, han dado bastante de qué hablar. 

Insurgentes. El pasado alimenta el futuro

Medellín Rave Society de Insurgentes. 

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El proceso de la música electrónica y su poder transformador sigue escribiendo la historia del mundo y nuestra ciudad, aunque usted no lo vea, aunque usted no lo oiga.

Un Jazzista sumergido en los sonidos electrónicos

El jazzista Juan lopez explora los sonidos electrónicos que le han sido tan esquivos

Un jazzista

sumergido en los sonidos electrónicos

Autor:  Santiago Gordon.

Marzo 20, 2021

 
 
 
 
 
El jazzista Juan lopez explora los sonidos electrónicos que le han sido tan esquivos

Juan López, músico de sesión desde joven. Bajista y guitarrista –si se quiere ser específicos–. Sirvió de apoyo en proyectos musicales como Jet Nebula y Rosa Rosso, también de la orquesta de música tradicional México luz y color.

Es amante del jazz y del blues. De Miles Davis, John Coltrane, Charles Mingus y Jaco Pastorius.  Ha estudiado cada uno de los referentes clásicos. Escuchado cada uno de los álbumes que construyeron la escena y leído cada biografía y libro histórico que se ha cruzado. Considera que el jazz le permite expresarse de formas que otros géneros y medios jamás le hubieran permitido.

Para él lo más atrayente de la música está en su variedad. Siempre hay algo para alguien. Siempre hay algo nuevo por descubrir. Un constante aprendizaje.

Por eso, cuando le propusimos hacer un recorrido por el género, se sintió intrigado. Juan jamás ha escuchado electrónica de forma activa. Si mucho, lo que conoce de ella viene de bares y clubes donde se utiliza para ambientar el lugar. Considera este un buen ejercicio. Reconocer sonidos, instrumentos y técnicas utilizados de formas distintas a las que está acostumbrado.

Nos reunimos en su casa a las 9 de la noche. Su cuarto estaba lleno de vinilos, tocadiscos, amplificadores e instrumentos. Era el lugar perfecto para sentir la música. Consideramos que lo más importante era darle una idea de la electrónica mundial y una muestra de la escena medellinense.

Conectamos el amplificador al computador y empezamos a reproducir una de las playlist que preparamos para él.

Siempre, durante todo el ejercicio, mantuvo la concentración en el amplificador. Era como si lo estuviese estudiando. No solo con el oído, sino también con la vista. Sus comentarios y observaciones no se hicieron esperar.

Primero habló de la canción Suspiria, producida en 1977 para la película de terror del mismo nombre por la banda Goblin.

Suspiria //: Goblin

Sintió que le hizo ir de un estado de calma a uno de desesperación y ansiedad en cuestión de minutos. Ello producto de un muy serio y profesional trabajo de orquestación. Admiró también el nivel de experimentación de la canción. Que utiliza instrumentos poco convencionales en occidente, especialmente para la época. Tales como timbres, un sitar (instrumento de cuerda hindú) y el koto japonés.

Su siguiente parada llegó con la canción Cars de Gary Numan.

Cars //: Gary Numan

Reconoció lo que considera vendría a ser la estética sonora de los 80s. El uso del synth bass, el trabajo con osciladores y los envolventes acústicos (los cuales permiten modificar la duración de una onda de sonido dentro de la canción). Elementos que serían comunes en bandas de talla mundial como Depeche Mode. Notó la clara importancia del género para lo que considera una de las épocas más importantes en la historia musical.

Pero fue gracias a la artista de italodisco Clio y la banda inglesa de new wave New Order, que identificó el claro perfil comercial de la electrónica. 

Faces //: Clio

Temptation //: New Order

Es un sonido que se ha escuchado miles de veces en miles de lugares. Bares, clubes y estaciones de radio. Y es claro el por qué. Es imposible escuchar esta música sin mover una parte de tu cuerpo. Evocan una reacción física de la cual no se puede escapar.

Con la siguiente tanda de artistas, Moby, LCD Soundsystem y Fatboy Slim. 

Porcelain //: Moby

Dance Yrself Clean //: LCD Soundsystem

Right Here Right Now //: Fatboy Slim

 Sintió un cambio muy palpable. Los consideró su parte favorita de lo escuchado hasta el momento. Pues reconoció el nivel de exploración y creatividad que contienen sus producciones a la hora de utilizar sonidos que no se encuentran en instrumentos convencionales. Admitió que no logra reconocer su origen. Que podrían venir de cualquier cosa. Desde una caneca de basura hasta una botella de vidrio. Admiró el hecho de que son producciones mucho más complejas. En especial en el aspecto compositivo. Donde los artistas le dan una mayor importancia a la melodía.

Al terminar la primera parte del ejercicio habiendo escuchado, lo que consideramos, es una clara muestra de lo que el género tiene para ofrecer, sin ser todo lo que existe de él, claro está, le preguntamos sobre su reflexión final. Su respuesta fue bastante humilde y apreciativa.

“Una vez te tomas el tiempo de escuchar detenidamente estos artistas te das cuenta de que son sonidos y conceptos que ya has visto antes de alguna forma. Sientes que siempre estuvieron allí. Pero escuchar a quienes los hicieron posibles trae una nueva perspectiva sobre la mesa. Llena de respeto y aprecio a sus orígenes”.

Consideramos que para ese punto Juan ya tenía una clara idea de lo que ha sido la electrónica en el mundo. Desde la cual podría comparar o analizar lo que se realiza en la ciudad. Le preguntamos si le gustaría escuchar un poco de la creciente escena de la producción electrónica local. Por supuesto le llamó la atención.

Escuchamos a varios artistas. Unos más consolidados que otros. Verraco, DJ Pai, Rainmaker y Bitter Babe. 

Verraco //: 10Concecuences Of The Fall Of The Internet

DJ Pai //: Cómo Olvidarla

Zenith //: Rainmaker

SMS_229-305 //: Bitter babe x Nick León

Perreo, technoambientminimal synth. Fue la primera vez en toda la sesión de escucha que no detuvo ninguna de las canciones para  dar su opinión. Solo escuchaba.

Esperó un rato antes de dar su apreciación sobre la última parte del ejercicio.

El motivo por el que basó su carrera en México es debido a que, antes de partir, la escena musical colombiana no eran lo suficientemente apoyada para florecer y ser reconocida de manera internacional como sí lo ha sido en otros países latinoamericanos. Por lo que el que artistas colombianos estén mostrando la iniciativa de crear su propia música, basada en sus raíces, apoyándose entre ellos, lo considera de admirar. Fue lo primero que le llamó la atención.

Si bien aún hace falta mucho trabajo para salir del  underground, encuentra admirable que se está empezando a madurar la escena musical de la ciudad. teniendo no solo proyectos, sino también comportamientos más profesionales de los que eran apreciables hace unos cinco o seis años atrás.

“Por lo que escucho. Hoy en día el ser un artista serio en la música, en Colombia, es cada vez menos la idea loca de una persona joven que quiere buscarse una vía alternativa para poder vivir feliz”.

Aprecia que los músicos de la ciudad, sin dejar de respetar sus orígenes sonoros, no estén asustados de explorar nuevas formas de incorporar sonidos propios. Esto sin perder de vista el género al que pertenecen.

Siente que hay una comunidad que está forjándose un carácter y una personalidad clara producto de su ambiente y de su público. Si bien son underground en el momento, poco conocidos para el público mainstream. Se están tomando la responsabilidad que tienen como artistas en serio. desarrollando nuevas ideas y constantemente explorando nuevos sonidos y proyectos. Una muestra clara de que hay unos cimientos en los que están construyendo algo firme. Una escena en Medellín de la cual se puede hablar. De la cual se puede escribir. De la cual podemos sentirnos orgullosos.

Dando fin al ejercicio, hablamos por unas cuantas horas sobre estudio, trabajo y amigos. Sobre cosas ajenas al tema por el que nos reunimos. Cuando llegó el momento de despedirnos, Juan lanzó una pregunta que me sorprendió y que incluso nos hizo sentir alegres

¿Cuándo es el próximo toque? 

Electrónica, una mirada global

Mirada global a la electrónica

Global

Recorrido histórico al rededor del mundo

Autora:  Laura Correa.

Abril 26, 2021

 
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Históricamente la música ha servido como símbolo y herramienta de protesta, de rebeldía y como muestra del malestar social, sus letras y ritmos han servido para cuestionar e incomodar a clases políticas y personas privilegiadas, ha servido como instrumento de lucha popular. Y por supuesto, la música electrónica no ha estado exenta de esto.

Es importante volver a los orígenes, recordar las razones que alentaron la popularización de este movimiento y reconocer a las personas que han trazado su recorrido histórico.

¿Te has preguntado cómo surge este género musical? ¿Quiénes fueron sus pioneros y promotores? Este mapa con puntos importantes en la historia de la música electrónica  te servirá para responder estas preguntas en caso de que no sepas responderlas.